Les Statues les plus Célèbres de tous les Temps

Contrairement à une peinture, la sculpture est un art tridimensionnel, qui permet de voir une pièce sous tous les angles. Qu'elle célèbre un personnage historique ou qu'elle soit créée comme une œuvre d'art, la statue est d'autant plus puissante qu'elle est physiquement présente. Les statues les plus célèbres de tous les temps sont immédiatement reconnaissables. Elles ont été créées par des artistes au cours des siècles et dans des matériaux allant du marbre au métal.

Comme l'art de la rue, certaines œuvres de sculpture sont grandes, audacieuses et incontournables. D'autres exemples de sculpture peuvent être délicats et nécessiter une étude approfondie. Ici même, à New York, vous pouvez admirer des pièces importantes à Central Park, dans des musées comme le Met, le MoMA ou le Guggenheim, ou comme œuvres publiques d'art en plein air. La plupart de ces sculptures célèbres peuvent être identifiées même par le spectateur le plus occasionnel. Ces statues emblématiques sont des œuvres déterminantes à la fois pour leur époque et pour leurs créateurs. 

Vénus de Willendorf, 28 000-25 000 av J.-C.

La plus grande sculpture de l'histoire de l'art, cette minuscule figurine mesurant à peine plus de 10 cm de haut a été découverte en Autriche en 1908. Personne ne sait à quoi elle servait, mais les hypothèses vont de la déesse de la fertilité à l'aide à la masturbation. Certains chercheurs suggèrent qu'il pourrait s'agir d'un autoportrait réalisé par une femme. C'est le plus célèbre des nombreux objets de ce type datant de l'âge de pierre.

Buste de Néfertiti, 1345 avant J.-C.

Ce portrait est un symbole de la beauté féminine depuis qu'il a été mis au jour en 1912 dans les ruines d'Amarna, la capitale construite par le pharaon le plus controversé de l'histoire de l'Égypte ancienne : Akhénaton. La vie de sa reine, Néfertiti, est un mystère : on pense qu'elle a régné en tant que pharaon pendant un certain temps après la mort d'Akhenaton - ou plus probablement, en tant que co-répondante du roi garçon Toutankhamon. Certains égyptologues pensent qu'elle était en fait la mère de Toutankhamon. Ce buste en calcaire recouvert de stuc serait l'œuvre de Thoutmosis, le sculpteur de la cour d'Akhénaton.

L'armée en terre cuite, 210-209 avant J.-C.

Découverte en 1974, l'armée de terre cuite est une énorme cachette de statues d'argile enterrées dans trois fosses massives près de la tombe de Shi Huang, le premier empereur de Chine, mort en 210 avant Jésus-Christ. Destinée à le protéger dans l'au-delà, l'armée compterait, selon certaines estimations, plus de 8 000 soldats, 670 chevaux et 130 chars. Chacun d'entre eux est grandeur nature, bien que la taille réelle varie en fonction du rang militaire.

Laocoon et ses fils, deuxième siècle av J.-C.

Laocoon et ses fils est sans doute la statue la plus célèbre de l'Antiquité romaine. Déterrée à Rome en 1506, elle a été transférée au Vatican, où elle se trouve encore aujourd'hui. Elle est basée sur le mythe d'un prêtre troyen tué avec ses fils par des serpents de mer envoyés par le dieu de la mer Poséidon en représailles à la tentative de Laocoön de révéler la ruse du cheval de Troie. Installé à l'origine dans le palais de l'empereur Titus, ce groupe figuratif grandeur nature, attribué à un trio de sculpteurs grecs de l'île de Rhodes, est sans égal en tant qu'étude de la souffrance humaine.

Michel-Ange, David, 1501-1504

L'une des œuvres les plus emblématiques de l'histoire de l'art, le David de Michel-Ange est né d'un projet plus vaste visant à décorer les contreforts de la grande cathédrale de Florence, le Duomo, avec un groupe de personnages tirés de l'Ancien Testament. Le David en était un, et fut en fait commencé en 1464 par Agostino di Duccio. Au cours des deux années suivantes, Agostino a réussi à dégrossir une partie de l'énorme bloc de marbre extrait de la célèbre carrière de Carrare, avant de s'arrêter en 1466. (Un autre artiste a pris le relais, mais lui aussi n'a travaillé que brièvement. Le marbre est resté intact pendant les 25 années suivantes, jusqu'à ce que Michel-Ange reprenne la statue en 1501. Il avait 26 ans à l'époque. Une fois terminé, le David pesait six tonnes, ce qui signifie qu'il ne pouvait pas être hissé sur le toit de la cathédrale. Il a donc été exposé juste à côté de l'entrée du Palazzo Vecchio, l'hôtel de ville de Florence. La figure, l'une des plus pures distillations du style de la Haute Renaissance, a été immédiatement adoptée par le public florentin comme un symbole de la résistance de la ville-état contre les puissances qui lui étaient opposées. En 1873, le David est transféré à la galerie de l'Academia, et une réplique de la Statue est installée à son emplacement d'origine.

Gian Lorenzo Bernini, Extase de Sainte Thérèse, 1647-52

Reconnu comme l'un des initiateurs du style du haut baroque romain, Gian Lorenzo Bernini a créé ce chef-d'œuvre pour une chapelle de l'église de Santa Maria della Vittoria. Le baroque est inextricablement lié à la Contre-Réforme, par laquelle l'Église catholique tente d'endiguer la vague de protestantisme qui déferle sur l'Europe du XVIIe siècle.Sainte Thérèse d'Avila, une carmélite espagnole et mystique qui a écrit sur sa rencontre avec un ange, est représentée au moment où l'ange s'apprête à lui planter une flèche dans le cœur. Les connotations érotiques de l'extase sont évidentes, notamment dans l'expression orgasmique de la nonne et dans le tissu ondulant qui enveloppe les deux personnages. 

Antonio Canova, Persée avec la tête de Méduse, 1804-6

L'artiste italien Antonio Canova (1757-1822) est considéré comme le plus grand sculpteur du XVIIIe siècle. Son œuvre incarne le style néoclassique, comme en témoigne sa représentation en marbre du héros mythique grec Persée. Canova a en fait réalisé deux versions de cette œuvre : L'une se trouve au Vatican à Rome, tandis que l'autre se trouve dans la cour des sculptures européennes du Metropolitan Museum of Art.

Edgar Degas, La petite danseuse de quatorze ans, 1881/1922

Si le maître impressionniste Edgar Degas est surtout connu comme peintre, il a également travaillé la sculpture. Degas a façonné La petite danseuse de quatorze ans en cire (à partir de laquelle des copies en bronze ont été coulées après sa mort en 1917), mais le fait que Degas ait habillé son sujet éponyme d'un véritable costume de ballet (avec corsage, tutu et chaussons) et d'une perruque de vrais cheveux a fait sensation lorsque la danseuse a été présentée à la sixième exposition impressionniste de 1881 à Paris. Degas a choisi de recouvrir la plupart de ses embellissements de cire pour qu'ils correspondent au reste des traits de la jeune fille, mais il a gardé le tutu, ainsi qu'un ruban attachant ses cheveux, tels quels, faisant de cette figure l'un des premiers exemples d'art d'objet trouvé. La danseuse est la seule statue que Degas a exposée de son vivant ; après sa mort, quelque 156 autres exemplaires ont été retrouvés, languissant dans son atelier.

Auguste Rodin, Les Bourgeois de Calais, 1894

Si la plupart des gens associent le grand sculpteur français Auguste Rodin au Penseur, cet ensemble commémorant un incident de la guerre de Cent Ans (1337-1453) entre la Grande-Bretagne et la France est plus important pour l'histoire de la sculpture. Commandé pour un parc de la ville de Calais, Les Bourgeois évite le format typique des monuments de l'époque : Au lieu de figures isolées ou empilées en pyramide sur un haut piédestal, Rodin a assemblé ses sujets grandeur nature directement sur le sol, au niveau du spectateur. Ce mouvement radical vers le réalisme rompt avec le traitement héroïque habituellement accordé à ces œuvres de plein air. Avec Les Bourgeois, Rodin fait l'un des premiers pas vers l'art statuaire moderne.

Pablo Picasso, Guitare, 1912

En 1912, Picasso a créé la maquette en carton d'une œuvre qui allait avoir un impact considérable sur l'art du XXe siècle. Elle représente une guitare, un sujet que Picasso a souvent exploré en peinture et en collage, et à bien des égards, Guitare a transféré les techniques de couper-coller du collage de deux à trois dimensions. Elle fait de même pour le cubisme, en assemblant des formes plates pour créer une forme à multiples facettes, à la fois profonde et volumineuse. L'innovation de Picasso a été d'éviter la sculpture et le modelage conventionnels d'une sculpture à partir d'une masse solide. Au lieu de cela, la guitare était attachée ensemble comme une structure. Cette idée se répercutera du constructivisme russe au minimalisme et au-delà.

Umberto Boccioni, Formes uniques de continuité dans l'espace, 1913

Le futurisme italien a choqué le monde entier, mais aucune œuvre n'illustre mieux le délire du mouvement que cette statue de l'un de ses chefs de file : Umberto Boccioni. Peintre à ses débuts, Boccioni s'est tourné vers le travail en trois dimensions après un voyage à Paris en 1913 au cours duquel il a visité les ateliers de plusieurs sculpteurs d'avant-garde de l'époque. Ce chef-d'œuvre dynamique, représente une figure en marche dans une "continuité synthétique" de mouvement, comme l'a décrit Boccioni. L'œuvre a été créée à l'origine en plâtre et n'a été coulée dans sa version familière en bronze qu'en 1931, bien après la mort de l'artiste en 1916.

Constantin Brancusi, Mlle Pogany, 1913

Né en Roumanie, Brancusi est l'un des sculpteurs les plus importants du modernisme du début du 20e siècle - et même l'une des figures les plus importantes de toute l'histoire de la sculpture. Sorte de proto-minimaliste, Brancusi s'est inspiré des formes de la nature et les a rationalisées pour en faire des représentations abstraites. Cette pièce emblématique est un portrait de son modèle et amant, Margit Pogány, une étudiante en art hongroise rencontrée à Paris en 1910. La première itération a été sculptée dans du marbre, suivie d'une copie en plâtre à partir de laquelle le bronze a été réalisé.

Duchamp, Roue de bicyclette, 1913

Lorsque Duchamp a achevé l'œuvre dans son studio parisien, il n'avait vraiment aucune idée du nom à lui donner. "J'ai eu l'heureuse idée d'attacher une roue de bicyclette à un tabouret de cuisine et de la regarder tourner". Il a commencé à comprendre que faire de l'art de manière traditionnelle et artisanale semblait inutile à l'ère industrielle. Pourquoi se donner la peine, disait-il, alors que des articles manufacturés largement disponibles pouvaient faire l'affaire. Pour Duchamp, l'idée qui sous-tend l'œuvre d'art est plus importante que la manière dont elle est réalisée. Cette notion - peut-être le premier véritable exemple d'art conceptuel - allait transformer radicalement l'histoire de l'art. Cependant, comme un objet ménager ordinaire, la roue de bicyclette originale n'a pas survécu : Cette version est en fait une réplique datant de 1951.

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Alexander Calder, Le cirque de Calder, 1926-31

Pièce maîtresse de la collection permanente du Whitney Museum, Calder's Circus distille l'essence ludique d'Alexander Calder (1898-1976), un artiste qui a contribué à façonner la sculpture du XXe siècle. Circus, qui a été créé pendant le séjour de l'artiste à Paris, était moins abstrait que ses "mobiles" suspendus, mais à sa manière, il était tout aussi cinétique : Réalisé principalement en fil de fer et en bois, Circus servait de pièce maîtresse pour des spectacles d'improvisation, dans lesquels Calder déplaçait, tel un maître, diverses figures représentant des contorsionnistes, des avaleurs de sabres, des dompteurs de lions, etc.  

Aristide Maillol, L'Air, 1938

Peintre, dessinateur de tapisseries et sculpteur, l'artiste français Aristide Maillol (1861-1944) peut être décrit comme un néoclassique moderne qui a donné à la statuaire gréco-romaine traditionnelle un aspect épuré digne du XXe siècle. On pourrait également le décrire comme un conservateur radical, bien qu'il faille se rappeler que même des contemporains d'avant-garde comme Picasso ont produit des œuvres dans une adaptation du style néoclassique après la Première Guerre mondiale. Le sujet de Maillol était le nu féminin, et dans L'Air, il a créé un contraste entre la masse matérielle de son sujet et la façon dont elle semble flotter dans l'espace - équilibrant, pour ainsi dire, une physicalité obstinée avec une présence évanescente.